Categoria: cinema Page 3 of 31
Sempre gostei dos livros e do estilo de escrita de Jon Krakauer. Foi em 1999, logo depois de traduzir seu “Sobre Homens e Montanhas” para a Companhia das Letras, que li “Na Natureza Selvagem”, seu relato sobre a história de Chris Mccandless, o jovem que abandonou sua família na Virgínia por uma vida na estrada e de aventuras ao estilo dos personagens de Jack London e inspirado por Thoreau e John Muir.
Ontem, fuçando nas minhas coisas, encontrei um artigo que à época escrevi para o jornal “O Popular”. Seu título é “Selvagem é o Concreto”. Tem um tom nostálgico e meio melodramático que dá uma certa vergonha. Infelizmente, só o tenho em papel, mas se tiver saco vou redigitá-lo para algumas reflexões. Pensar se ainda acredito no que dizia há quase dez anos – afinal, em outros campos, mudei radicalmente. Afinal, todo o mundo se encantou e ainda se encanta com as idéias de Thoreau e com uma certa visão romântica da vida liberta na estrada e junto à natureza.
Outro dia, meu amigo Nelson me ligou no meio da tarde. Saía da sessão de “Na Natureza Selvagem”, o filme de Sean Penn baseado na novela de Krakauer (trailer aqui). Quase fora atropelado na Paulista de tão atordoado. Dizia que saíra do cinema pensando em mim. Vá saber por quê.
O livro me causou forte impacto em 1999, e ontem, na expectativa da estréia do filme aqui no sertão, comecei a relê-lo e já não o consigo largar. As perguntas são sempre as mesmas e seguem essenciais, penso: o que realmente vale à pena? Vale trocar as montanhas pela segurança do cotidiano? Em tempo, eu não considero que tenha abandonado as montanhas, mas por ora tenho outras prioridades, antes de retornar a elas.
Chris largou tudo e foi viver no Alaska, depois de rodar metade dos Estados Unidos – a pé, de carona, de canoa. Morreu de inanição em meio ao inverno rigoroso.
Assisti ontem a “Jogos do Poder”, intitulado originalmente “Charlie Wilson’s War”. O filme de Mike Nichols conta a história real do deputado democrata Charles Wilson e seu papel fundamental no apoio à guerrilha mujaheedin no Afeganistão em sua luta contra a brutal invasão soviética. De forma inédita, Wilson, que era membro do subcomitê no Congresso responsável pelo orçamento da CIA e de outros órgãos de inteligência, conseguiu mobilizar cerca de 300 milhões de dólares convertidos secretamente em armas para os afegãos por meio de uma impensável parceria entre Israel, Egito, Paquistão e Arábia Saudita.
O que torna ainda mais irônico o episódio são os hábitos de Wilson, um admitido farrista e mulherengo, consumidor de cocaína e uísque aos litros. Por suas aventuras, à época de suas articulações pela ajuda ao Afeganistão, ele sofreu um processo de investigação comandado por um promotor chamado Rudolph Giuliani, que acabou não dando em nada porque a única testemunha que afirmava tê-lo visto cheirando, disse que o fato de dera nas Ilhas Caimã, fora da jurisdição da promotoria.
O filme começa com Gust Avrakotos, o agente da CIA – magistralmente interpretado por Philip Seymour Hoffman – responsável pelas operações no Afeganistão tentando contar a Wilson uma história sobre um mestre zen que reflete o ponto de vista do filme e a grande lição sobre a ação americana em outros países, algo fundamental quando um dos temas mais quentes do debate eleitoral americano gira justamente em torno da retirada ou não das tropas do Iraque. Só ao final da história, entretanto, ele a consegue completar. Num pequeno vilarejo, um garoto ganha um cavalo e se rejubila: “que lindo cavalo! Que ótimo!”. Ao que o mestre responde: “Veremos”. Logo, o menino sofre um acidente com o cavalo e machuca severamente a perna, lamentado-se pela desgraça. O mestre zen mais uma vez diz: “veremos.” Uma guerra se instala na região e todas as crianças são recrutadas, menos o menino, pelo problema na perna. O menino fica feliz e o mestre retruca: “veremos”.
Derrotados os soviéticos, enquanto todos comemoravam, Avrakotos era quem dizia: “veremos”. Era hora de apoiar a reconstrução de um Afeganistão arrasado, mas todos os esforços do próprio Wilson foram em vão. Era bem mais fácil conseguir dinheiro para armas. O resultado foi a ascensão dos talibãs ao poder e o resto da história todos conhecemos.
O filme aborda com ironia e visão satírica o enredo verdadeiro de realpolitik. Foi bom apoiar a guerrilha e expulsar os soviéticos? Veremos. Sabe-se lá o que teria acontecido, tivessem eles consolidado seu domínio no Afeganistão? Dali poder-se-ia seguir uma aventura no Iraque, no Irã e sabe-se lá para onde mais. Expulsos os comunistas, pelo outro lado, o caminho nos leva diretamente ao talibã, à Al Qaeda, a Osama Bin Laden e ao 11 de setembro.
Gostei bastante do filme, embora não seja nenhuma obra prima. As interpretações são geniais e os diálogos impagáveis. O melhor, sobretudo, é o final interrogativo: foi bom?
Pronto, agora já posso me aposentar enquanto advogado de defesa (de boteco) do filme Tropa de Elite: esse filmaço acaba de receber o Urso de Ouro em Berlim, de um juri presidido pelo Costa-Gavras. (Hehehehehe!!) Qualquer hora irei descrever a hilariante discussão que tive, durante um festival de cinema em 2007, com o curador de um festival carioca, um desses ranzinzas anti-Tropa de Elite. (Discussão essa que, desconfio, acabou afastando a até então, segundo me disseram, a até então “garantida” participação do meu curta no festival dele. Sim, meu curta, no qual o protagonista reclama dos filmes que “só fazem a gente achar bandido gente boa, saca?”)
E neguinho ainda estava impressionado com a crítica boba da Variety! O otário do jornalista estava tão ideologicamente azedo que, com seu senso estético politicamente ofuscado, chegou a detonar a ótima fotografia e a excelente câmera do Lula Carvalho. Incrível.
Conforme discutíamos eu e o Pedro no Google Groups do Garganta, onde temos escrito muito mais do que no próprio blog:
Eu: “neguinho ideologizado só vê ideologia no comportamento e na opinião alheia. lembra do que conversamos no Mercado, durante o show de jazz? o Bope tortura e mata de fato. puxar a sardinha pro Bope teria sido não mostrar que fazem isso. mas o filme mostra, logo, não há heróis de verdade no filme, apenas gente perdida em diferentes níveis. o problema da crítica esquerdista, no fundo, é a narração em off que gera empatia pelo Capitão Nascimento. se essa empatia é colocada pelo público acima da razão — essa razão que nos diz que torturar e executar sumariamente é um mal — isso não é culpa do Padilha. é culpa, sim, dos próprios revolucionários, uma vez que sempre acusaram a consciência moral de mera frescura “burguesa”. foram eles que relativizaram a questão moral, difundindo em seguida, no ambiente cultural, tal ponto de vista. ou seja: para eles, vale executar e torturar pela causa esquerdista, não pelos princípios e valores tradicionais, quais sejam, no caso, a ordem e a família. e não percebem que torturar e executar sumariamente é errado em qualquer das situações. do contrário, por que não falam sobre as arbitrariedades cubanas, chinesas, coreanas? apenas a tortura de direita é do mal? o filme é muito bom. tomar no culo esses caras. ”
E o Pedro: “É o que falamos aquele dia tb, Yuri. No fundo acho que as pessoas se borram de pavor ao depararem consigo mesmas, all of a sudden, sentindo empatia pelo Capitão Nascimento. Como posso empatizar com um torturador? Logo, ele é humano, logo eu tb poderia ser um torturador. Resultado, pavor. Conclusão, melhor negar.”
Não havia divulgado este vídeo aqui porque ainda quero fazer alguns retoques no áudio, mas, vá lá, já que está no You Tube, por que não colocá-lo n’O Garganta também?
(Bom, sugiro a leitura prévia do texto que incluí na página do You Tube referente ao próprio. Nele você entenderá por que o “efeito espelho” se anula na Internet, além de outros detalhes, incluindo a ficha técnica, participação em festivais, etc.)
Boa sessão.
Tenho insistido que o maior problema de nossa cinematografia digital, e sobretudo dos curtas que são feitos no Brasil, está na precariedade da direção de atores e no pouco caso com um trabalho mais embasado de preparação de elenco e construção de personagens.
A verdade é que a maioria toma a função do diretor cinematográfico como algo simples e que qualquer um com uma boa idéia pode exercer. Afinal, trata-se meramente de definir enquadramentos e movimentos de câmera, e de dar ordens aos atores, não é verdade?
A função do diretor é dificílima. É preciso ser acrobata e conseguir manter dezenas de pratos girando ao mesmo tempo, com a diferença de que, no circo, se um prato cai, só ele se quebra, enquanto, no cinema, se o mesmo ocorre, todo o conjunto naufraga.
Uma má fotografia pode até sobreviver a um filme com ótimas atuações, mas um filme com excelente fotografia e performances ruins é um desastre. Sem atuações críveis, nada se sustenta.
Mas nada me parece mais difícil e delicado do que a direção dos atores. Primeiro, porque a direção é quase um casamento, depende de confiança absoluta. O diretor coloca seu bem mais precioso nas mãos do ator – o seu filme – e o ator tem que se abrir e jogar de cabeça no território das emoções, crendo que o diretor saberá guiá-lo neste lamaçal, rumo aos sentimentos corretos para uma boa atuação.
Segundo, porque dirigir atores demanda principalmente intuição e disposição para o risco e o mico. Tem pouco de intelectual e muito de tentativa e erro, de processo, de experiência. Nada nos ensina a fazê-lo, a não ser tentar.
Eu ainda me sinto quase absolutamente desarmado neste território. Ainda não sei fazer pouco mais que pedir resultados – o pior tipo de direção -, mas vou tentando perder o medo.
Apesar de que só a prá¡tica ensina, um pouco de teoria pode apontar o rumo certo e também nos fornecer o impulso de buscar. Daí, como prometido, a tradução da introdução do livro de Judith Weston “Directing Actors”, um excelente começo sobre este tema.
Baixe o arquivo aqui
A amiga Carolina Paraguassu, diretora e produtora, finaliza seu doc Resistência.doc, sobre a trajetória política do governador goiano Mauro Borges. O trailer pode ser conferido aí acima e o material promete.
Além dele, o polêmico Guerrilha do Araguaia – As Faces Ocultas da História, dirigido pelo Eduardo Castro, terá sua versão televisiva exibida no próximo dia 27, às 21 horas, na TV Cultura, para todo o país. Veja também o trailer na tela acima.
Movimentos inesperados e surpreendentes de câmera, sobretudo planos sequência bem feitos, são um dos componentes fundamentais da magia do cinema. Aliás, aqui um belíssimo texto sobre grandes planos sequência com links para alguns deles no You Tube. Na tela acima, um excerto de Soy Cuba, de Mikael Kalatozov, uma pérola da produção comunista, com alguns dos mais espetaculares planos sequência já realizados (a história deste filme é retratada em “O Mamute Siberiano”, do brasileiro Vicente Ferraz).
Muitos de nós, jovem cineastas, entretanto, talvez influenciados por uma certa valorização do experimentalismo que confunde inovação estética com pobreza técnica e operação de câmera porca, parecemos achar que enquadramentos bizarros e câmeras tremidas a ponto de causar enjôo no espectador são coisas desejáveis em nossos filmes.
Talvez isso se deva também ao fato de acharmos que movimentos de câmera elaborados demandam necessariamente gruas, dollies e steadicams de milhares de reais. Na verdade, com criatividade e alguma habilidade manual, é possível improvisar movimentos de câmera que agregam enorme valor a nossos filmes, ou ainda construir equipamentos que fazem praticamente o mesmo que suas contrapartes caras.
Um exemplo disso é o Steadycam de 14 dólares, que qualquer um que saiba o endereço de uma ferragista pode construir em casa. O essencial é compreender o princípio de funcionamento de um steady, nada mais do que simplesmente fornecer um contrapeso à câmera, evitando que ela rotacione em seu eixo horizontal (em movimento indesejado de tilt). Vejam, por exemplo, este filme demonstrativo e comprovem a eficácia da traquitana.
Outra peça genial é o livro “Killer Camera Rigs that You Can Build”, que detalha projetos relativamente simples de gruas, braços e suportes para gravações em carros, entre outras peças, que revolucionarão seus filmes. Veja também que beleza os filmetes demonstrativos.
Simplesmente genial o filme-homenagem a Hitchcock e peça de propaganda do espumante Freixenet feito por Martin Scorsese: “The Key to Reserva”. Ele pode ser conferido aqui. É um exemplo de sacada genial de publicidade e efetivamente um belíssimo e divertido curta-metragem. Uma pequena aula de cinema.
Agora, ficamos ansiosamente aguardando a estréia de seu doc “Rolling Stones – Shine a Light”, sobre a grande banda, com estréia mundial marcada para 4 de abril.
UPDATE: Atenção, no filme da Freixenet, em 01m08s, para a foto de Glauber Rocha no momento em que Scorsese abre a caixa com o roteiro. Muito bem observado pelo Daniel. A mesma foto pode ser vista aqui.
Para mim parece muito claro que a maior deficiência do cinema nacional está na preparação e direção de atores. E más performances são 95% culpa de maus diretores e apenas 5% culpa dos atores. Bons diretores, dadas certas condições, extraem papéis memoráveis de pessoas que nunca atuaram (vide, entre outros, os filmes do argentino Carlos Sorín, como “O Cachorro” e “Histórias Mínimas”, além da exceção nacional a confirmar a regra: “Cidade de Deus”).
A afirmação feita acima é tão mais válida quanto menor o orçamento do filme e inquestionável quando falamos de curta-metragens brasileiros. Felizmente, na produção de longas, esta deficiência tem sido minorada a passos largos com a valorização de profissionais de preparação de elenco. Pessoas como Sérgio Penna, Fátima Toledo e Chris Duvenport têm sido fundamentais na produção de atuações memoráveis em filmes como “Bicho de Sete Cabeças”, “Tropa de Elite” e no próprio “Cidade de Deus”. Até o Manual da Vida Brasileira dia desses dedicou matéria ao tema.
Fato é que, se as produções de baixo orçamento ainda penam para ganhar pleno domínio de técnicas básicas como fotografia, o que dizer da direção de atores, campo em larga medida ainda tido como esotérico num meio bastante dominado por diretores de origem mais técnica.
A maioria de nós jovens diretores ainda crê que basta dar uma ordem para que o ator produza uma performance. E, se a coisa não funciona, culpa do ator, que não nos escuta ou, pior, “que não sabe atuar pra câmera porque sua formação é de teatro”. Essa é uma bobagem que escuto com grande frequência.
É evidente que há diferenças grandes na mise-en-scene teatral e na do cinema, mas o ofício do ator continua o mesmo, isto é, se emocionar diante do público para contar uma história. A diferença entre uma arte e outra cabe ao diretor entender muito mais que ao ator.
Felizmente, há farta literatura sobre o tema, a começar pelos trabalhos seminais obrigatórios de Constantin Stanislavski.
Em língua inglesa, um dos melhores livros publicados sobre o tema é “Directing Actors”, de Judith Weston. Obrigatório. Vai para nossa “Biblioteca do Cineasta Digital”.
Estou traduzindo um dos melhores trechos do livro, em que a autora descreve, de maneira muito elucidativa, tudo aquilo que um diretor não deve fazer no trabalho com os atores. Em breve, devo postá-lo por aqui e no Olho de Vidro.